Архип Куинджи и европейские импрессионисты XIX века 
П.Пикассо создает картины, отмеченные напряженной, несколько грустной эмоциональной характеристикой образов («Странствующие гимнасты», 1901, ГМИИ, Москва; «Старый гитарист», 1903, Художественный институт, Чикаго; «Старый еврей с мальчиком», 1903, ГМИИ, Москва; «Жизнь», 1903, Музей искусств, Кливленд; «Ужин слепца», 1903, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Бедняки на берегу моря», 1903, Национальная галерея, Вашингтон). Забытые Богом и людьми слепцы и нищие, тесно прижимающиеся друг к другу в поисках душевного и физического тепла, являются воплощением бесприютности и щемящего одиночества. Их вытянутые фигуры на густом синем фоне, вырисованные угловатыми ломкими линиями, удивительным образом напоминают персонажей Эль Греко («Старик с мальчиком», 1903, ГМИИ, Москва; «Свидание», 1902, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
В 1904г. П.Пикассо окончательно поселяется в Париже, и в его творчестве наступает новый - «розовый» - период (1904-1906), героями которого становятся бродячие комедианты и акробаты. Их хрупкие, почти прозрачные фигуры напоминают пламя свечи, молодой побег или надломленную ветку («Актер», 1904, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Семья акробатов с обезьяной», 1905, Национальная галерея, Вашингтон; «Девочка на шаре», 1905, ГМИИ, Москва). В этот период у П.Пикассо вырабатывается тонкий вкус к сложным нюансам, мягким и музыкальным переплетениям теплых солнечных тонов с оттенками пепельного и бледно-голубого, что связано с его увлечением античной фресковой живописью. Самой яркой работой этого периода является картина «Семья бродячих акробатов» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), пронизанная чувством глубокого одиночества и отрешенности, возникающим из странного сочетания костюмированных персонажей и окружающего их пустынного пейзажа.
В 1906г. творческая манера Пикассо меняется, в его живописи появляются новые формы, отличительной чертой которых становится монументальная обобщенность («Сидящая обнаженная», 1906, Национальная галерея, Прага; «Гертруда Стайн», 1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Две обнаженные», 1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Художник использует прямые линии и короткие штрихи, чтобы с их помощью вылепить грубоватые, прочно скроенные фигуры, напоминающие пластику негритянского и иберийского искусства («Бюст женщины», 1907; «Автопортрет», 1907 - обе в Национальной галерее, Прага). На этом пути он идет вслед за П.Сезанном с его стремлением выразить собственное видение мира, а не перенести на холст фотографический слепок с натуры.
П.Пикассо начинает экспериментировать с формой: он раскладывает предметы и фигуры на составные части, затем вновь собирает их, повинуясь своим собственным законам мироощущения и образуя некую кристаллическую структуру. Творческие искания П.Пикассо вылились в 1907г. в создание первой формалистической картины «Авиньонские девушки» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк), положившей начало кубистическому периоду.
Первый этап данного периода (1908-1912) - «аналитический» - отмечен развитием от простого разложения объектов на отдельные единицы и плоскости («Даниэль Анри Канвейлер», 1910, Художественный институт, Чикаго; «Абруаз Воллар», 1910, ГМИИ, Москва) к усилению стереометрических образований, которые практически вытесняют реальный облик натуры («Гитарист», 1911-1913, Музей Пикассо, Париж; «Афисьонадо», 1912, Художественный музей, Базель). На втором этапе (1912-1915) - «синтетическом» - традиционная живописная техника постепенно уступает место различным фактурным изыскам в виде графических знаков и коллажей из цветной бумаги, обрывков афиш, газет или обоев.
Связанные воедино, они представляют собой сложное текстовое образование, отражающее не менее сложные отношения между разными способами передачи реальности («Моя красавица», 1914, частное собрание, Женева; «Композиция с виноградной гроздью и грушей», 1914, Эрмитаж, Санкт-Петербург; «Человек с трубкой», 1914, Музей Пикассо, Париж).
К 1915г. кубистический метод Пикассо представляет собой хорошо разработанную систему. Он пользуется яркими звучными цветами, гармоничные сочетания которых, сливаясь, образуют коллаж («Человек с трубкой», 1915, Художественный институт, Чикаго; «Арлекин», 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк). Игровая комбинация, лежащая в основе кубизма, в конце 1910-х - начале 1920-х гг. переходит в театральные разработки (спектакль «Парад» труппы «Русские балеты» С.Дягилева) и в скульптуру, что проявляется в создании конструкций из бросовых материалов.
В начале 1920-х гг. П.Пикассо продолжает работать в кубистической манере («Три музыканта», 1921, Музей искусств, Филадельфия; вариант, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Танец», .1925, Галерея Тейт, Лондон). На его полотнах цветные плоскости в прерывистом ритме беспорядочно накладываются друг на друга, что в сочетании с резко противоположными красками создает зрительные ощущения джазовой музыки. Предметные композиции с античными статуями напоминают драматические сцены («Мастерская с гипсовой головой», 1925, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Натюрморт с античной головой», 1925, Национальный музей современного искусства, Париж).
Но постепенно у художника зреет чувство неудовлетворенности, он начинает искать устойчивость в искусстве, что приводит его к новому периоду в творчестве - неоклассицизму. Большую роль в этом сыграло близкое знакомство с миром балетного искусства. В произведениях появляются классические черты и сюжеты. В тонких и изящных портретах этого периода, отмеченных четким рисунком и кажущейся небрежностью в живописной проработке фигуры, угадывается влияние Ж.О.Д.Энгра («Ольга Хохлова», 1917, Музей Пикассо, Париж; «Сидящий Арлекин», 1923,
Национальный музей современного искусства, Париж). Однако пластическая форма понимается художником как особая формальная логическая категория, которой он произвольно оперирует, применяя смелые и неожиданные ракурсы, изменяя пропорции и т. д. («Три женщины у источника», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Женщины, бегущие по пляжу», 1922, Музей Пикассо, Париж; «Флейта Пана», 1923, Музей Пикассо, Париж; «Сидящая женщина», 1923, Галерея Тейт, Лондон).
Одновременно с неоклассицизмом во второй половине 1920-х гг. в творчестве П.Пикассо начинает развиваться сюрреалистическое начало («Мастерская модистки», 1926, Национальный музей современного искусства, Париж; «Художник и модель», 1926; «Большой натюрморт на круглом столе», 1931 - обе в Музее Пикассо, Париж). В его произведениях возникают причудливо искаженные образы, построенные на иррациональной системе ощущений, что нашло свое выражение в «конвульсивной красоте» и психическом автоматизме. Сложные, запутанные линии, образующие непонятные конфигурации, создают ощущение общего не контролируемого разумом, безотчетно тревожного состояния. Прекрасные женские тела превращаются в хаотичное собрание гладко выточенных деталей и становятся похожими на фантастических чудовищ со злобным оскалом и острыми конечностями («Сидящая купальщица», 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк; «Фигуры на берегу моря», 1931, Музей Пикассо, Париж).
следующая страница...
|
www.kuinje.ru, 2007-14. Все права защищены. Для контактов - arhip(a)kuinje.ru 
